Art Montpellier 2019
Stand: E41
del 8 al 11 de Noviembre de 2019
Montsequi Galería de Arte en Art Montpellier 2019
Montsequi Galería de Arte en Art Montpellier 2019 Foire méditerranéenne des arts contemporains
Sud de France Arena - Montpellier del 8 al 11 de Noviembre de 2019
Información: www.art-montpellier.com
HORARIOS:
Viernes / Vendredi 8 novembre: 11h à 20h
Sábado / Samedi 9 novembre: 10h à 20h
Domingo / Dimanche 10 novembre: 10h à 20h
Lunes / Lundi 11 novembre: 10h à 19h
Jueves / Jeudi 7 novembre:
– Inauguración / Vernissage à partir de 19h
– Cierre / Fermeture à 23h
Presentamos una selección de artistas de la Galería que abarcan diferentes disciplinas:
Pintura: Laurence Winter, José Luis G. Fincias, Merche Olcina y Xana Abreu.
Escultura: Mireia Serra y Roberto Reula
Laurence Winter - Pintura
Nace al norte de Francia en los años 60. Su vocación era estudiar Bellas Artes pero estudios "más tranquilizadores" llamaron su atención: La Literatura, Las Ciencias políticas y La Historia en la Universidad de la Sorbonne, y en especial la formación de Ingeniero Textil. Su vida profesional y personal la llevan varios años a vivir en Tailandia y más tarde en Túnez, dedicada a la industria de la confección. De vuelta a Francia en los años 2000, retoma los pinceles de modo regular, esta vez sin dejar de hacerlo. Hasta 2010, el año cuando acaba su actividad profesional y vuelve a Francia para instalarse en Drôme.
Esencialmente pinta al óleo, sobre todo tipo de soportes, pero es sobre soportes metálicos donde encuentra "la resonancia" que buscaba … "Suenan". Ahora desde hace tres años sólo pinta sobre superficies metálicas.
No quiere elegir entre la figuración y la abstracción. Laurence busca un espacio, un gesto y un sonido y así sus obras encuentran su equilibrio y su luz.
José Luis G. Fincias - Pintura
Madrid 1969. La ferocidad magnética, que caracteriza al estilo José Luis Fincias, reverbera en telas cargadas de materia y fuertes contrastes de color. Si bien, el uso de líneas enérgicas, el dripping o, incluso, el colorido agresivo, pueden resultarnos en un primer momento fruto de un instinto arbitrario y vehemente. Realmente nos encontramos ante construcciones meditadas, donde la distorsión de la realidad sirve de vehículo para penetrar en el mundo interior del artista, llegando en muchos casos a la abstracción.
En su obra, José Luis, persigue el deseo de conectar con el espectador a través de una interpretación lírica y emocional de lo que le rodea, materializando la esencia de lo humano en cada uno de los retratos y objetos cotidianos que representa. Todo esto da como resultado una pintura trascendente, dotada de una hybris interna que busca traspasar el marco, desligándose de sus fronteras, y un color que adquiere un enigmático valor simbólico.
En los últimos años, José Luis, ha realizado exposiciones dentro de nuestro país y fuera de nuestras fronteras, en ciudades como Estocolmo, Edimburgo, Estrasburgo, Miami, Hamburgo, Oporto, Roma, Bruselas. Su obra ha sido adquirida en instituciones públicas y colecciones privadas, de España y del extranjero, y actualmente es miembro de AEPE (Asociación Española de Pintores y Escultores), miembro fundador del Grupo de Artistas Plásticos KAIKOO y Vicepresidente de la Asociación de Creadores Iberoamericanos (ACI).
Merche Olcina - Pintura
Madrid, 1955
Estudios de dibujo y pintura en Taller Villalar, Estudio Arjona y Escuela Internacional de Arte de Florencia.
Talleres del Círculo de Bellas Artes con los pintores: José Guerrero, Manolo Valdés, Joseph Guinovart y Eduardo Arroyo.
Merche Olcina presenta en Montpellier una serie de piezas en las que retoma el lenguaje figurativo, descubriéndonos una pintura íntima de factura suelta y fresca, a través de la que materializa el delicioso recuerdo de un instante, convirtiendo lo cotidiano en trascendente.
Nuestra mirada queda cautivada por esos fragmentos de memoria que la artista trae al presente, en los que la noche cae dejando paso al artificio de la luz. La realidad se transforma, confiriendo a cada una de sus piezas cierta aura dramática, un tanto onírica. De esta manera, construye un imaginario que ahonda en las problemáticas humanas más elementales, como son la soledad, el deseo de arraigo y el encuentro con uno mismo.
Somos testigos de momentos congelados en los que personajes absortos se recrean en sus ideas; de rincones ajenos en una ciudad abarrotada que, resueltos, buscan convertirse en lugares familiares, casi domésticos; o incluso, del silencio táctil que se establece entre dos personas cuando disfrutan de su sola presencia. Imágenes que nos atrapan por su cercanía y potencia lírica, suscitando emociones encontradas.
Xana Abreu - Pintura
Xana Abreu nació en Lisboa, Portugal, en 1975 y actualmente vive en Aroeira, una ciudad soleada cerca del mar en el sur de Lisboa.
Siempre tuvo una mente muy abierta, pudiendo dejarse influenciar por todas las expresiones artísticas a su alrededor e inspirarse en los grandes maestros, así como en artistas contemporáneos y callejeros.
Ella prefiere pintar con pintura acrílica porque se seca más rápido y se adapta mejor a su urgencia de pintar tan rápido como su mente ilimitada es capaz de crear. Trabaja principalmente sobre lienzo, madera y también sobre esculturas de resina y fibra de vidrio, pero siempre está buscando otros medios para explorar.
Xana Abreu sabía desde niña que quería ser artista visual. Asistió a la Escuela de Arte António Arroio y luego al Colegio de Artes de Lisboa. Aunque hizo exposiciones en los años 90, de repente tuvo un gran éxito en Portugal como compositora y cantante. El primer DVD que grabó fue directo al nº 1 en las listas de éxitos de Portugal y permaneció en el nº1 durante 41 semanas, con conciertos con entradas agotadas en todas partes. Este éxito inesperado la alejó de sus exposiciones durante varios años, aunque nunca dejó de pintar.
Ella ha vuelto a mostrar sus trabajos desde 2017.
Mireia Serra - Escultura
Para Mireia Serra la escultura se convierte en un delicado e inocente espejo de su universo interior, expresando de esta manera, como si de un ejercicio catártico fuera, sus estados de ánimo y deseos. Sus piezas, pequeños extractos del mundo que le rodea, se convierten en juegos metafóricos con los que el espectador puede conectar al instante, reconociendo en estas escenas cotidianas, inquietudes que también le son propias.
Sus piezas se caracterizan por una estética que se afincada en la figuración, deleitándonos con notas resolutivas de carácter minimalista. Asimismo, destaca la utilización de materiales nobles que aportan consistencia y un acabado, si puede, más atractivo a cada una de sus creaciones.
De esta forma, Mireia Serra, nos abre las puertas a un cosmos de sensaciones, recuerdos y vivencias, íntimamente relacionado con nuestro entorno, clave que le permite entablar, desde un primer instante, una relación íntima con el espectador, invitándolo a incorporar el arte en su vida diaria, abriendo espacios para la contemplación y para la reflexión sobre el devenir de nuestra existencia y nuestra relación con el mundo.
Roberto Reula - Escultura
El individuo, en la escultura de Roberto Reula, se presenta ante el espectador como arquetipo del hombre contemplativo. Sus personajes de cuerpos pesados y carentes de gracia son modelados por una mano experta que no duda en experimentar con la combinación de diferentes materiales: bronce, hierro, mármol, gres, madera, resina de poliuretano, etc.
Ante la velocidad del presente los sujetos se mantienen serenos e introspectivos, deteniéndose para observar lo que ocurre a su alrededor; con una mirada sencilla y sincera, absortos, se recrean en sus ideas. En un primer acercamiento puede dar la impresión de pasividad, sin embargo, Reula, logra insuflar vitalidad en sus personajes, no de la manera clásica que reconoceríamos como consecuencia de nuestro bagaje cultural, sea a través de la búsqueda de movimiento mediante posturas, más o menos, equilibradas o el reflejo de una tensión contenida propio de la "terribilità", sino mediante las conexiones metafóricas que el artista plantea, revelando las inquietudes humanas más elementales siempre teñidas con un ligero tono mordaz lo cual ofrece una bravata adicional al arte concebido en su forma más tradicional.
El hombre desnudo y expuesto ante la multitud, sin atisbo ninguno de altanería, refuerza la idea del individuo solitario consciente de sus defectos, real y caduco. Por consiguiente, su papel es activo y resuelto, expandiendo esa labor reflexiva con el fin de despertar las mismas inquietudes en el espectador.