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Open Room 2018

La Galería Montsequi vuelve abrir sus puertas al arte emergente con una muestra fresca y sugerente que reúne los últimos proyectos de nueve artistas en los que destaca la pasión por la experimentación. El arte se convierte así en objeto y acción que permite esclarecer sus inquietudes y obsesiones. Jugando con una multiplicidad de formatos y las técnicas más diversas, estos artistas dejarán en evidencia problemáticas como la concepción del soporte-pintura, las capacidades constructivas de la luz y color, la obsolescencia del concepto de Bellas Artes y la reivindicación de técnicas artesanales y del diseño. Siendo capaces de despertar en el espectador a través de sistemas metafóricos las inquietudes humanas más elementales, materializando conceptos como la soledad, el paso del tiempo, las pasiones y la femineidad. Y es que como decía acertadamente Mark Rothko "El arte es una aventura que nos lleva a un mundo desconocido... Nuestra tarea como artista es hacer que la gente vea el mundo tal como lo vemos nosotros". Una exposición enriquecedora que se conjuga con la gastronomía, haciéndola coincidir con el Gastrofestvial 2018, que esperamos os seduzca.

Izaskun Monfort – Comisaria Open Room 2018 Montsequi

Rosario Reina.


Viajera y pintora, exponiendo desde el año 1992 en Museo de Arte Moderno y Museo de las Casas Reales en República Dominicana; en Arezzo, Italia; en Stable Gallery "Palacio Bambrilla" en Viena; Museo Paquiro, Cádiz; La Casa de Las columnas Sevilla; en Vitoria y en la Galería Montsequi de Madrid; entre otras ciudades. Con tres publicaciones y cinco premios en su haber.

Comparte con nosotros su inquietud por el Paisaje Urbano, su añoranza por el mágico mundo de la aviación, con personajes en continua búsqueda, y motivos aparentemente aislados, pero conectados entre sí, dejándose llevar, por el lecho blanco evocador del espacio y el tiempo.

Olga Cáceres.


"Las construcciones humanas son los elementos centrales en mi obra. Construcciones que evolucionan a través del tiempo: ya sean internas, externas, físicas o mentales. Me gusta explorar los sentimientos humanos que derivan de las experiencias, del entorno. Son un crecimiento permanente dónde no existe la estabilidad.

Por una parte, busco la transformación de ciertos materiales, como cuando quiero que la cerámica parezca otro material y por otra parte, me gustan los materiales en su esencia, como el hierro, cuya pureza intento resaltar."

Se formó en la Escuela de Artes y Oficios La Palma, especialidad Escultura (Madrid), continuando con diferentes talleres especializados en las técnicas de cerámica y bronce. Ha expuesto en diferentes ciudades de España y Francia, y su obra se encuentra en la colección del Centro Cultural Los Pinos, Alcorcón.

Noemí Rovina


Estos trabajos surgen en cuanto al planteamiento de la problemática, soporte-pintura, y el momento en el que estos dos elementos se encuentran. Por ello, el propósito principal con el que se llevan a cabo las obras, es la búsqueda de materiales óptimos, para continuar con un discurso conceptual coherente, dentro de la evolución del trabajo personal. Éste se desarrolla bajo conceptos indispensables como son la materialidad, la transparencia, el color y la luz. Todo ello respaldado por una búsqueda teórica en cuanto al cuestionamiento de los soportes y las superficies. Las características principales del mismo son la experimentación de la pintura hacia sus cualidades físicas, el uso de la transparencia como herramienta principal y la luz como potenciadora de ésta.

Ha participado en varias exposiciones en diferentes ciudades de España y Polonia.

LAUCKY


"Me centré en la pintura al óleo y el grabado, pero mi trayectoria profesional entró en el mundo del diseño digital. Después de vivir unos años en México decidí recuperar los pinceles y trasladar mis conocimientos a la pintura mural y la ilustración. Mi obra ha sido expuesta en España, Reino Unido, México y Nueva York. Actualmente, el bolígrafo y la acuarela son mis herramientas protagonistas, aunque me considero una artística multidisciplinar e inquieta.

Hablo de la sociedad bajo el enfoque de la feminidad. Es un reflejo de mis vivencias, sentimientos y pensamientos, es mi obra personal, mi autorretrato. Dura en el mensaje, dulce en el lenguaje. Pretendo una reivindicación en un entorno de paz, en el que el espectador se detenga a escuchar con los ojos y vuelvan a reencontrarse con la sensibilidad y emocionalidad para ser consciente de realidades cercanas."

Juan Emilio Checa Quevedo


"Con estudios en dibujo técnico durante mis años de formación en la Escuela de Ingeniería, la base artística la adquiero a través de la obra de mi padre; si bien, mi padre realiza su obra con carácter marcadamente realista y mediante el uso del óleo; mientras que yo me he decantado por el uso del acrílico y huyo de cualquier tipo figuración. En constante formación, busco nuevas técnicas y nuevos materiales con los que experimentar, especialmente en la creación de texturas.

Intento que la obra nunca sea plana ni continua, en texturas ni en la homogeneidad cromática, buscando siempre la expresión de mi estado anímico o mis sentimientos; dándole siempre importancia a la combinación de colores y especialmente a la forma de la mancha. En la mayoría de los casos la obra intenta transmitir una sensación de desorden o perturbación dentro de la tranquilidad."

José Carlos Díaz Ruano


En la actualidad finalizando los estudios de grado en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid.

"En mi obra utilizo como medio de expresión el dibujo y la pintura figurativa. En ellos se aprecia un análisis de la anatomía, al igual que de las texturas que componen la realidad que nos rodea. Para la realización de mis dibujos utilizo una técnica mixta, en la cual combino grafito, carboncillo, conté y creta blanca. Aunque en ocasiones utilizo el color, mi principal medio de expresión es el blanco y negro. Gracias al claroscuro, es posible conseguir un tono más dramático en las obras.

El motivo de mi obra es capturar un momento, un instante del universo que rodea a los protagonistas, y que en ocasiones representa de forma metafórica una idea. Por esta razón, además de un análisis físico, se puede apreciar un análisis más psicológico, que busca establecer una relación de empatía entre la obra y el espectador.

Para la realización de mis trabajos utilizo como herramienta varias fotografías. En vez de solucionar el problema compositivo a través de una única imagen preparada, mi proceso de trabajo consiste en la realización de una serie de capturas de forma más improvisada. Esto me permite realizar la composición mediante la unión de varias de ellas, y así conseguir una mayor naturalidad."

Diego Vallejo García


"Las obras que vengo realizando estos dos últimos años tienen una temática nocturna, en ellas trato tanto el paisaje natural como el paisaje urbano o la figura. Este cambio en la temática llegó al poco tiempo de mi estancia en Francia ya que en el pueblo en el que vivía apagaban las luces de las calles y al volver del estudio todo lo iluminaban fugazmente los focos del coche, por este motivo se puede observar una sensación de movimiento en alguna de las obras. Aunque no deja de ser una excusa más por mi fijación en la interpretación de la luz, ya sea la natural, en la obra antigua, o la artificial, en la obra actual.

Este estudio de la luz en el que trabajo puedo decir que casi es una obsesión por el hecho de estar continuamente observando un mismo objeto o paisaje bajo diferentes potencias y temperaturas de luz ya que según el tipo de luz que inciden sobre éstos te ofrecen una realidad distinta. Estas realidades dependiendo de las diferentes experiencias de las personas pueden transmitir sensaciones completamente distintas, de ahí la conceptualidad en el tratamiento de las obras, el cual hace partícipe al espectador y lo deja terminar o interpretar bajo su propia experiencia o realidad.

Durante la elaboración de mi obra se mezclan diferentes técnicas como podrían ser el grafito el acrílico, la pintura en spray o el óleo. Si bien el óleo es el que predomina en cuanto a los acabados se refiere. Para la aplicación de la pintura no solo empleo las herramientas tradicionales como pinceles o espátulas si no que se incorporan al trabajo objetos no pensados en un primer momento para este fin."

Licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Salamanca, ha continuado su formación en cursos impartidos por Antonio López y Andrés García Ibañez, e incluso ha trabajado como asistente personal de Nick Devereux en París. Ha expuesto en diferentes ciudades de España y Francia donde se le ha reconocido con varios premios y menciones artísticas.

Uryula Puro Arte


"No solo en los PIES se puede disfrutar de un diseño único en zapato o botín. El crear este conjunto de "Cuadros Joya" supone que la mirada del espectador quede seducida en el SUEÑO de desearlos. En mi opinión no hay mejor reto que enfrentarse a una plancha de cobre, como si fuera un folio en blanco.

He querido juntar en esta serie de esculturas un accesorio imprescindible para la mujer como es un bolso y una zapatilla deportiva de plena actualidad ya que cada temporada los diseños son más originales. Que mejor que enmarcar la zapatilla acompañada de un corazón creando una escultura en forma de bolso en cobre y así el espectador pueda apreciar el material con el que he realizado ambas piezas. Y por qué no interpretarlos en la técnica del Esmalte sobre Metal y poder disfrutarlos ahora también decorando un bello rincón de tu casa o de cualquier espacio o lugar.

La técnica del Esmalte no es la más conocida pero sí de las más antiguas. Yo la realizo artesanalmente recortando y cincelando, limpiando y esmaltando al fuego. La interpreto a mi gusto con total libertad dando todo el protagonismo a los colores vivos y duraderos, trabajando con transparentes, ópalos y opacos. Cuidando mucho las terminaciones con hilos de plata, rocallas, swarovski y piel, materiales actuales."

Graduada en Artes Aplicadas, sección de Talleres, especialidad Esmalte de Artes y Oficios de Orihuela (Alicante). Ha participado en exposiciones en ciudades como Alicante, Madrid y Alcalá de Henares.

Ana Alcaraz Montesinos


"Mis obras más sinceras salen del silencio. Me gusta trabajar en soledad para imponer el sentimiento más verdadero. Para mí la pintura tiene que ver con lo más profundo de uno mismo, con la emoción más grande. El color y el gesto mandan. Entonces me fijo en una escena seleccionada de un momento vivido. Superpongo imágenes que coloco en paisajes silenciosos. Me interesa la pintura a veces mezclada con papeles a modo de recortes que encajan y potencian el color en un punto intencionado. El movimiento es parte fundamental en mi obra tanto en la pincelada como en los temas."
Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, ha expuesto en varias ciudades de España, siendo reconocida con diferentes menciones y formando parte de las colecciones de la Escuela de ingenieros navales (Madrid), el Club Náutico de Dénia y en Mac. Florencio de La Fuente (Cuenca).